صورة سترة لينين: ما القصة؟

صورة سترة لينين: ما القصة؟

ما قصة هذه الصورة؟

عندما التقطت هذه الصورة؟ من هم العارضون؟

تظهر هذه الصورة ، في العديد من الأماكن على الإنترنت ، حتى في هذه المقالة على "ويكيبيديا الصينية" ، كمثال على سترة لينين (列宁 装). يظهر كمثال على نوع معين من الأزياء ، سترة لينين. على ما يبدو ، كانت الخمسينيات سنوات من التأثير السوفييتي القوي الذي امتد إلى عالم الموضة النسائية. مما قرأته ، كان هذا اتجاهًا للأزياء مهمًا للتحديث الصيني.

فيما يلي الأسئلة المحددة:

  1. في أي عام تم التقاط هذه الصورة؟
  2. ما هو سياق هذه الصورة؟ (على سبيل المثال ، أزياء ، صورة عمل ، زي موحد ، مقالة إخبارية ، صورة شخصية)
  3. من هم الناس؟ (عارضات الأزياء؟ ، الموظفين؟ ، أسماء الكوادر ، إن أمكن)
  4. هل تم نشره؟ إذا كان الأمر كذلك حيث؟
  5. متى بدأ تداولها على الإنترنت؟
  6. ما هي حالة حقوق التأليف والنشر الخاصة به؟
  7. أين تم أخذها؟ في استوديو مع خلفية ، أو في الهواء الطلق؟ في أي مدينة ، بلد؟

تحرير: يرجى ملاحظة أن هذه السترة التي تحمل اسم "سترة لينين" ، وفلاديمير لينين ليست ذات صلة على الإطلاق، باستثناء أسمائهم. إنه اسم السترة. كما أنه لا علاقة له بجون لينون من فرقة البيتلز.

بالإضافة إلى ذلك ، أنا لا أسأل عن فلاديمير لينين أو عن أزياء المرأة الصينية. يوفر الرابط الموجود في السؤال إلى كتاب أنطونيا فيناني الكثير من المعلومات حول سترات لينين وموضوعات الموضة الصينية الأخرى. هناك العديد من الموارد الأخرى المتاحة. هذا السؤال هو على وجه التحديد حول هذه الصورة المحددة.

معلومات اضافية:

تظهر هذه الصورة امرأة ترتدي سترة لينين فاتحة اللون كما تفعل هذه الصورة. لقد أظهروا بوضوح أنها ليست بذلة ماو. يغلق عند موضع يخالف المركز ، وهو ذو قصة مختلفة أكثر أنوثة من بدلة ماو.


هل تم نشره؟ إذا كان الأمر كذلك حيث؟ متى بدأ تداولها على الإنترنت؟

أقرب مصدر يمكن أن أجده هو من قصة نشرت في roll.sohu.com. إنها قصة عن أسلوب حياة الشعب الصيني في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي.

أين تم أخذها؟ في الاستوديو مع خلفية ، أو في الهواء الطلق؟ في أي مدينة ، بلد؟

تذكر القصة مكانًا اسمه نانجينغ ، مدينة صينية. لا يذكر ما إذا كان قد تم أخذها هناك أم لا.

في أي عام تم التقاط هذه الصورة؟

وفقًا لمجلة نشرتها الجمعية الكورية للملابس والمنسوجات ، فقد تم التقاطها في أوائل الخمسينيات.

المرجع: مجلة الجمعية الكورية للملابس والمنسوجات - المجلد. 39 ، رقم 4


من هم الناس؟ (عارضات الأزياء؟ ، الموظفين؟ ، أسماء الكوادر ، إن أمكن)

المجلة أو القصة المذكورة أعلاه لا تذكر أي شيء عن الأشخاص.

ما هو سياق هذه الصورة؟ (على سبيل المثال ، أزياء ، صورة عمل ، زي موحد ، مقالة إخبارية ، صورة شخصية)

القصة لديها سياق مفصل للصورة. علاوة على ذلك ، يحتوي موقع Georgetown.edu على تقرير مفصل بشأن سياق المعطف. انها تقول:

حظي معطف لينين بشعبية خاصة في الصين خلال الخمسينيات من القرن الماضي. إنه نوع من البدلة ذات الياقة المفتوحة والمزدوجة الصدر. كان نوع مماثل من البدلات شائعًا في أوروبا وأصبح خيارًا محافظًا خلال النصف الأول من القرن العشرين. لكنها كانت موضة جديدة عندما دخلت الصين لأول مرة خلال الحرب الصينية اليابانية الثانية والحرب الأهلية الصينية.

لا يسمي الروس هذا النوع من المعطف "معطف لينين". تم تسمية الكلمة من قبل الصينيين. لأن لينين ارتدى هذا النوع من المعطف أثناء ثورة أكتوبر. إذا أخذنا فقط صورة لينين كوت كدال ، فإن الصينيين والروس يتشاركون في نظام مماثل من الدرجة الأولى (Allen، 42). لكن النظام السيميولوجي من الدرجة الثانية (ألين ، 43) يختلف اختلافًا كبيرًا.

في روسيا ، لم يربط الناس هذا المعطف بشكل خاص بالروح البلشفية. لكن الصينيين رفعوا الصورة لإظهار الاحترام لإيديولوجية معينة. أعتقد أنه في فترة تاريخية ما ، أراد بعض الناس التأكيد على هذه الطبقة من المعنى واستخدام كلمة "لينين" لتسمية المعطف ، والذي بدوره غير نظام الدرجة الأولى للكلمة.

رابط للتقرير الكامل.


الواقعية الاشتراكية

تشير الواقعية الاشتراكية عمومًا إلى الأسلوب الواقعي رسمياً ، المصطنع موضوعياً للرسم الذي ظهر في روسيا في السنوات التي أعقبت الثورة الشيوعية عام 1917 ، لا سيما بعد صعود جوزيف ستالين إلى السلطة في عام 1924. يشمل المصطلح أيضًا الكثير من الفن المرئي المنتج في الدول الشيوعية الأخرى من تلك الفترة فصاعدًا ، وكذلك الحركات المرتبطة في النحت والأدب والمسرح والموسيقى. كان لروسيا تاريخ فخور بالرسم الواقعي كنقد اجتماعي ، لا سيما من خلال أعمال الفنانين Peredvizhniki مثل إيليا ريبين ، وكانت أيضًا في طليعة التطورات في الفن الطليعي خلال أوائل القرن العشرين. ولكن عندما بدأت حقائق الحكم الاشتراكي في الاتحاد السوفياتي ، اضطر الفنانون بشكل متزايد - غالبًا تحت وطأة السجن أو الموت - لتقديم صور دعائية إيجابية للقادة السياسيين والرموز الثقافية والظروف اليومية في الجمهورية السوفيتية الجديدة. في البداية كان دمج فنانين من الموهوبين والجرأة مثل إسحاق برودسكي ويوري بيمنوف ، بحلول الأربعينيات من القرن الماضي ، كانت الواقعية الاشتراكية نموذجًا خانقًا تم فيه القضاء على كل النقد السياسي والتجربة الشكلية الواضحة. ومع ذلك ، فقد استمرت في توجيه أنشطة الفنانين والكتاب وحتى الملحنين الموهوبين تقنيًا - كانتاتا سيرجي بروكوفييف عام 1939. زدرافيتساتم تأليفه بمناسبة عيد ميلاد ستالين الستين ، ولا يزال معروفًا على نطاق واسع على أنه عمل مهم ، على الرغم من نصوصه الدعائية الوقحة ، والترجمات السياسية البغيضة. هذا واحد من العديد من الأمثلة الرائعة لما يحدث عندما يحاول نظام شمولي بسط سيطرته على كل وسيلة للتعبير الثقافي.


الواقعية الاشتراكية: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

كان النموذج الفني للواقعية الاشتراكية لا هوادة فيه ، ووضعته الدولة. يجب أن تكون الواقعية الاشتراكية متفائلة بروحها ، وواقعية في الأسلوب ، ومن الواضح أنها داعمة للقضية السوفيتية. في كثير من الأحيان ، كان من المتوقع أن تبجل الأعمال بطلًا فرديًا للجمهورية الجديدة ، سواء كان ذلك يعني شخصية الدولة أو ، كما كان الحال في كثير من الأحيان ، عضوًا في الطبقات الكادحة يرتقي إلى مستوى المشاهير مثل أليكسي ستاخانوف ، الرقم القياسي- كسر عامل منجم على شخصية جورج أورويل Boxer the Horse (من مزرعة الحيوانات) كانت تستند. ومع ذلك ، ضمن المعايير الأسلوبية والموضوعية الضيقة للجماليات الستالينية ، استمر فنانو الموهبة والاختراع في إيجاد الحد الأدنى من الطرق للتعبير عن أنفسهم.

التفاؤل

كانت الواقعية الاشتراكية مطلوبة لتقديم صورة متفائلة للغاية للحياة في الدولة السوفيتية. كان هذا هو التمييز الجوهري بين الواقعية الاشتراكية والواقعية الاجتماعية ، وهي الحركة الأكبر التي أثرت فيها وأدرجتها إلى حد ما: كانت الواقعية الاجتماعية في كثير من الحالات تنتقد بشدة الظروف التي تصورها ، كما هو الحال مع إيليا ريبين المذهل. ساحبات البارجة على نهر الفولغا (1870-1873). على النقيض من ذلك ، فإن المشقة التي أحدثها الحكم الستاليني - وبالفعل الحرب الأهلية خلال 1917-1922 - لم تكن موضوعاً مقبولاً للنقد: فقد طُلب من الفنانين اتباع الخط في اختيارهم وتصويرهم للموضوع.

في عام 1928 ، على سبيل المثال ، أطلق ستالين أول خطته الخمسية ، والتي ركزت على وضع كل الإنتاج الاقتصادي تحت سيطرة الدولة. وشمل ذلك التجميع الجماعي للزراعة من خلال مخطط كولخوز ، مما أدى إلى مجاعة واسعة النطاق ، وانخفاض في الإنتاجية الزراعية. في حين أن الواقعي الاجتماعي في سياق فناني Peredvizhniki من المرجح أن يكون قد أبلغ عن ذلك ، كان على الواقعي الاشتراكي أن يمدح الفضائل والتنفيذ الناجح للتجميع. الاستيلاء الإجباري على الأراضي والماشية والجوع والمحاصيل والصدمات النفسية: تم إزالة كل هذه الحقائق من مكان الحادث. نجد في مكانهم لوحات الألوان الزاهية واليقظة ، والفلاحون الذين يتغذون جيدًا يتأقلمون مع المهمة التي يقومون بها مع الصناعة والثقة بالنفس ، كما هو الحال في Gregory Ryazhsky قائد فريق المزرعة الجماعية (1932). من خلال تحليل سخي ، كانت هذه الصور طموحة ، حيث قدمت الحياة في روسيا الحديثة ليس كما كانت ، ولكن كما يمكن أن يقول المرء بنفس القدر أن هذه الأعمال احتفظت بالقشرة الأسلوبية للواقعية بينما تتخلى عن الواقع كموضوع.

الواقعية

عندما قام كاظمير ماليفيتش بتأليف كتابه الشهير مربع أسود في عام 1913 ، جسد روح التجريد الراديكالي التي كانت تجتاح روسيا والغرب في ذلك الوقت. في الأيام الأولى للجمهورية السوفيتية ، كانت هذه الروح لا تزال تتجلى ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى استمرار الفصائل التروتسكية داخل الحكومة في تمجيد فضائل التجريد ، بحجة أن الفن الشيوعي كان بحاجة إلى استيعاب دروس التجربة البرجوازية من أجل تجاوز اتفاقية الطبقة العاملة. ، وبالتالي تصبح "بلا طبقات". عندما وصل ستالين إلى السلطة ، تم التخلي عن أي فارق بسيط في النقاش الثقافي لصالح البراغماتية الدموية: فالفنانين والنحاتين والمصورين وصانعي الأفلام سيقدمون صورًا مثالية للقادة السياسيين والثقافيين والحياة اليومية في روسيا الجديدة ، في الطريقة الأكثر تقليدية "واقعية" الممكنة. كان على الواقعي الاشتراكي أن يتعلم كيفية الرسم والتلوين من الحياة بطريقة خطية ودقيقة للغاية. كانت بعض اللوحات نابضة بالحياة لدرجة أنها أصبحت أقرب إلى التصوير الفوتوغرافي الملون إلى حد ما ، وتم التخلي عن اعتبارات الشكل والأسلوب تمامًا.

لخص بوريس إيوجانسون ، وهو فنان رسمي بارز في الفترة الستالينية ، روح العصر بالقول إن موضع الإبداع في الواقعية الاشتراكية لا يكمن في تقنية التكوين بل في "انطلاق الصورة". البيان ذكي ومنير ، لكن التناقض في قلب هذه النسخة من الواقعية واضح في استخدامه لكلمة "التدريج" وهو واضح في أعمال مثل ألكسندر دينيكا. ستاخانوفيتيس (1936) ، والذي يصور المجتمع المثالي للعمال الروس. كلمة "Stakhanovite" هي إشارة إلى أليكسي ستاخانوف ، مما يشير إلى العامل الدؤوب من أجل القضية السوفيتية - بطريقة أكثر من أسلوب رمزي البصيرة من عمل الواقعية. ظهر موكب من العمال السعداء والسعداء الذين يرتدون ملابس بيضاء أمام قصر السوفييت ، وهو مبنى لم يبدأ تشييده عندما تم تشكيل اللوحة ، وبدأ في العام التالي ، ولكن تم إنهاؤه بسبب الغزو الألماني لروسيا في عام 1941.

البطل

يقود الكسندر دينيكا ستاخانوفيتيس هو أليكسي ستاخانوف نفسه ، المشهور بأنه سجل أرقامًا قياسية مذهلة كعامل مناجم فحم في عام 1935 ، حيث قام بمعالجة 102 طن من الفحم في وردية واحدة (اقترح لاحقًا أنه فعل ذلك مع فريق من المساعدين ، كجزء من تمرين دعائي منظم ). أصبح ستاخانوف من المشاهير على الصعيد الوطني ، وصورة عبادة الإنتاجية حتى ظهر على غلاف مجلة زمن مجلة في ديسمبر 1935. تم تكريم ستاخانوف باعتباره "الرجل السوفيتي الجديد" النموذجي ، ذلك النوع من الشخصيات التي سيتم بناء مستقبل الاتحاد السوفيتي على أكتافها: صحي ، عضلي ، نكران الذات ، ومتحمس ، مع أخلاقيات عمل غير محدودة. تم العثور على أبطال البروليتاريين مثل ستاخانوف في جميع اللوحات الاشتراكية الواقعية ، من عمال المصانع والعلماء إلى المهندسين المدنيين وعمال المزارع ، وكلهم يجسدون نفس روح الإرادة الفردية الموجهة نحو المثل العليا الجماعية. كان هذا ، بالطبع ، مفارقة أخرى في قلب الواقعية الاشتراكية: أن إنشاء مجتمع جماعي كان يُنظر إليه على أنه يتطلب تبجيلًا شبه ديني للفرد.

يمكن الشعور بالمفارقة نفسها في تصوير قادة الدولة الجديدة. في نمط تكرر عبر الثقافات الشمولية طوال القرن العشرين ، احتلت هذه الشخصيات فعليًا مكان الرموز الدينية في المخيلة العامة ، وظهرت في صور وملصقات ضخمة ككائنات شبه إلهية ، تقود الأمة إلى الأمام بقوة إرادتهم وبصيرتهم. . أنتج الكثير من هذا العمل رسامون موهوبون مثل إسحاق برودسكي ، الذي قام في أواخر عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي بتأليف العديد من لوحات لينين خلال المراحل الرئيسية للثورة الروسية ، مثل فلاديمير لينين 1 مايو 1920 (1927). هذه الآن من بين المعالم الأكثر أناقة لعبادة الشخصية التي نشأت حول لينين وستالين خلال عصر الواقعية الاشتراكية.

دعم الدولة

بحلول الثلاثينيات من القرن الماضي ، كانت صالات العرض في الاتحاد السوفييتي مزينة بصور سياسية ، بما في ذلك الزعيمان العظيمان للدولة ، لينين وستالين. إذا كانت الرسالة الدولتية وراء مثل هذا العمل علنية ، فإن الدعاية الرقيقة للواقعية الاشتراكية كانت تتم تحت ستار اللوحات الفنية والحياة الساكنة ، والتي لم يكن لها صلة صريحة بالموضوعات السياسية. يعمل مثل إيليا مشكوف الخبز السوفيتي (1936) يصور وفرة الحياة اليومية داخل الدولة الشيوعية يصور ماشكوف أرغفة من جميع الأشكال والتصاميم والأحجام ، تتنافس للفت الانتباه تحت زخرفة تقليدية للذرة تحيط برغيف زينة محفور بالمطرقة والمنجل.

تلخص النصوص الفرعية المختلفة لصورة مشكوف بعض التناقضات في جمالية الواقعية الاشتراكية ، وتشير إلى جرثومة الإبداع التي كانت موجودة داخلها. يعكس التنازل عن الفن الشعبي الروسي في تأليف ماشكوف الساذج بوعي ذاتي علاقته بالرسامين الراديكاليين في فترة ما قبل الثورة مثل ميخائيل لاريونوف ، أحد الفنانين الذين شارك معهم ماشكوف في تأسيس مجموعة جاك أوف دايموندز في موسكو عام 1910 كانت هذه المجموعة مسؤولة عن تحديد العديد من المبادئ المرتبطة ببقاء ماشكوف البدائي الجديد كفنان في روسيا حتى وفاته في عام 1944 ، مما يشير إلى مجموعة مذهلة من التأثيرات الأسلوبية التي اعترفت الواقعية الاشتراكية أحيانًا ، بشرط توجيهها إلى اليمين. اتجاه. في الوقت نفسه ، لا يمكن تجاهل المفارقة غير المقصودة وراء تاريخ تكوين هذه اللوحة: في ختام عملية التجميع ، التي جلبت المجاعة إلى مساحات شاسعة من فقراء الريف في روسيا.

الواقعية الاشتراكية خارج الاتحاد السوفيتي

عندما أصبحت سياسة ستالين الدولية إمبريالية بشكل متزايد في السنوات التي أعقبت الحرب العالمية الثانية ، تم تصدير الواقعية الاشتراكية إلى الدول التابعة للكتلة الشرقية ، الجمهوريات السوفيتية الجديدة التي ظهرت عبر أوروبا الشرقية في السنوات التي أعقبت استسلام قوات المحور في 1945. في جمهورية بولندا الشعبية ، التي تأسست عام 1947 ، تم فرض الواقعية الاشتراكية كسياسة للدولة من عام 1949 فصاعدًا ، ينطبق جدول زمني مماثل على جمهورية رومانيا الاشتراكية ، التي تأسست أيضًا في عام 1947. نظرًا لأن هذه البلدان كانت في حالة عبودية سياسية وثقافية أمام الدولة. اتحاد الجمهوريات الاشتراكية السوفياتية ، ليس من المستغرب أن تظهر أعمال الواقعية الاشتراكية التي تم إنتاجها هناك القليل من الاختلاف الأسلوبي الشامل عن تلك التي تم تأليفها في العقود السابقة في روسيا ، على الرغم من بقاء الأفراد الموهوبين والإبداع مرة أخرى ، مثل ألكسندرو سيوكورينكو في رومانيا (الذي ، باعتراف الجميع ، كان راسخ كرسام ما بعد الانطباعية قبل عام 1947). الأعمال المؤلفة تحية لتحديث الزراعة في ظل الحكم السوفيتي ، مثل الرسام البولندي يوليوس كراجيفسكي شكرا لك مشغل الجرار (1950) ، تذكرنا بأولئك الذين تم تكوينهم قبل عقدين من الزمن أثناء التجميع في الاتحاد السوفيتي.

كما ألهم المفهوم السوفياتي للواقعية الاشتراكية التطورات الثقافية خارج أوروبا ، بما في ذلك جمهورية كوريا الشعبية الديمقراطية (تأسست عام 1948) ، وجمهورية الصين الشعبية (تأسست عام 1949). رددت تصريحات الرئيس ماو حول دور الفنان في الدولة الصينية الجديدة صدى تصريحات ستالين: "كل أدبنا وفننا لجماهير الشعب ، وفي المقام الأول للعمال والفلاحين والجنود". في سياسة يشار إليها باسم "تأميم الرسم الزيتي" ، كان الفنانون الصينيون يدرسون تقنيات الرسم الأوروبية من أجل الترويج لتنوع ماو من القومية الثقافية الستالينية.


صورة سترة لينين: ما القصة؟ - تاريخ

تاريخ مطعم Ed & # 39s Warehouse في تورونتو

يسجل من داخل منطقة المرمى

في العقود الماضية ، كان Ed's Warehouse أحد أشهر المطاعم في تورنتو. يقع في 266 King Street West ، لم يكن مجرد مكان للاستمتاع بوجبة ، ولكن أيضًا مكان جذب سياحي. لما يقرب من أربعة عقود ، زارها الناس ودائمًا ما كانت ترقى إلى مستوى سمعتها.

في أوائل الستينيات ، تم تجاهل King Street West بين شارع Peter Street و University Avenue للأسف. إضافة إلى الصعوبات كانت CP Rail Yards ، الواقعة على الجانب الجنوبي من الشارع ، حيث توجد قاعة روي طومسون اليوم. غالبًا ما شوهد العابرون يركبون القضبان في هذا الجزء من شارع كينج.

على الرغم من هذه الاعتبارات ، اشترى Ed Mirvish مسرح Royal Alexandra في عام 1962 مقابل 200000 دولار. ونُقل عنه قوله إن قيمة الأرض وحدها كانت تساوي أكثر من سعر الشراء الذي شمل المسرح.

بعد استعادة Royal Alexandra ، واجه Ed Mirvish مشكلة عدم وجود مطاعم عالية الجودة في المنطقة. في عام 1963 ، قام بحل الصعوبة بفتح مستودع خاص به - Ed's Warehouse.

مطعم Ed’s Warehouse في شارع King Street West في 9 أكتوبر 1981. أرشيف تورنتو.

تم اختيار اسمه لأنه كان موجودًا بالفعل في مستودع سابق ، على الجانب الغربي من المسرح مباشرة. يعتقد إد أن تناول الطعام والمسرح سويًا مثل "الحصان والعربة" ، لذلك بدا المشروع مناسبًا.

الحشود التي كانت تحضر المطعم والمسرح جلبت الحياة إلى الشارع. لم يكن هذا صحيحًا بالنسبة للمشاريع الأخرى التي تم افتتاحها في المنطقة في السنوات المقبلة ، مثل قاعة روي طومسون (1982) ، ومركز البث الكندي (1992). تجاهلت هذه المباني في الأساس حياة الشارع.

افتتح إد في النهاية المزيد من المطاعم في شارع كينج وبنى أيضًا مسرح أميرة ويلز. أخيرًا ، تم افتتاح Bell Lightbox (2010) ، الجوهرة في التاج التي جعلت King Street أهم منطقة ترفيهية في المدينة ، وربما في جميع أنحاء كندا.

ومع ذلك ، بدأ كل شيء بمسرح رويال ألكسندرا ومطعم Ed's Warehouse.

في يومها ، كان تناول الطعام في مطعم Ed's تجربة لا مثيل لها في تورنتو. كتبت ريتا زيكس من تورنتو ستار في يوليو 2007 أن أجواءها تشبه أجواء سيرك بارنوم وبيلي. أنا شخصياً اعتبرتها "التحف والخردة وفيكتوريانا أصبحت جامحة!"

إلى جانب ورق الحائط المتدفق باللون الأحمر ، كانت هناك مزهريات شرقية ضخمة ، ومصابيح تيفاني ، وتماثيل برونزية ورخامية ، وسيارة ، وصور عتيقة ، وصور للعديد من نجوم المسرح ، ونوافذ زجاجية ملونة ، ومصابيح مع سيدات عاريات على قواعدها.

منذ لحظة افتتاح المطعم ، أصبح الديكور جزءًا من عامل الجذب. أفضل ما في الأمر ، بعد تناول الطعام في هذا الجو المبهج ، كان مسرح رويال ألكسندرا على بعد خطوات قليلة فقط.

تم إعداد القائمة مسبقًا لتقليل التكاليف. كان الضلع الرئيسي السميك والعصير مصحوبًا بالبطاطس المهروسة والبازلاء الخضراء وبودنج يوركشاير والمرق. كما تم تضمين الخبز بالثوم ومخللات الشبت. كانت الحلوى آيس كريم سبوموني.

ذكر النقاد مازحين أن القائمة كانت سهلة التحضير لدرجة أن إد طرد رئيس الطهاة الخاص به وأعطى الوظيفة إلى عامل وقوف السيارات. من الواضح أن النقاد لم يحاولوا أبدًا طهي الضلع الرئيسي.

كان المطعم ناجحًا للغاية لدرجة أن Ed Mirvish توسع وافتتح Ed's Seafood و Ed's Chinese و Ed's Italian و Ed's Folly (صالة).

في Ed's Warehouse ، كان يُطلب من الرجال ارتداء سترة وربطة عنق ، وقد استمر هذا المطلب لفترة طويلة بعد أن ألغت مؤسسات تناول الطعام الأخرى هذا التقليد. ومع ذلك ، قدم مطعم Old Ed أسعارًا أقل وكان أكثر راحة.

قم بالتوقيع خارج Ed’s Warehouse في 9 أغسطس 1981 ، مع عرض القائمة وإخطار الرجال بقواعد اللباس. أرشيف تورنتو.

في عام 1971 ، اشتركت في سلسلة مسرح ميرفيش. عندما وصلت تذكرتي الأولى عبر البريد ، تلقيت قسيمتين مجانيتين لـ Ed's Warehouse. إذا كنت أتذكر بشكل صحيح ، فإن كل قسيمة لها قيمة 20 دولارًا ، والتي غطت التكلفة الكاملة للوجبة. كانت هذه حقًا "الأيام الخوالي".

في سبعينيات القرن الماضي ، عندما كانت مطاعم ميرفيش في أوج شعبيتها ، كانت سعة المقاعد مجتمعة 2300 مقعدًا وغالبًا ما كانت تقدم 6000 وجبة يوميًا. في هذا العقد نفسه ، قامت مجلة Toronto Calendar Magazine ، التي اندمجت لاحقًا مع Toronto Life ، برعاية مسابقة لتحديد أفضل مطعم في الحي المالي.

صوت أكثر من 10000 شخص ، ومن بين 21 مطعمًا مدرجًا ، احتل Ed's Warehouse المرتبة الأولى. على الرغم من هذه الجائزة ، فقد قرأت عبر الإنترنت بعض المراجعات النقدية للغاية للطعام في Ed's Warehouse. ومع ذلك ، فقد اعتبرت اللحم البقري ، الذي تم استيراده من شيكاغو ، من بين أفضل اللحوم التي جربتها على الإطلاق.

في عام واحد في عيد ميلادي ، أخبرتني عائلتي أنهم سيصطحبونني لتناول العشاء ، لكنهم أبقوا اختيارهم للمطعم مفاجأة. استفسرت عما إذا كان ينبغي أن أرتدي ربطة عنق وسترة وقيل لي إنهما غير ضروريين.

عندما وصلنا ، اكتشفنا أن ربطة عنق وسترة كانت إلزامية بالفعل ، لأنها كانت مستودع Ed. عرض النادل توفير سترات وربطات عنق من بين أولئك الذين احتفظوا بها لمثل هذه المواقف. وأوضح أن قواعد اللباس كانت ضرورية لمنع المتشردين من عبور الشارع في ساحات السكك الحديدية من دخول المؤسسة.

لقد شعرنا بالإهانة ، لأن الملابس التي قدموها كانت تبدو قذرة ، وبالتأكيد لم نكن متشردين. كنا نرتدي قمصانًا رياضية مكوية حديثًا وسراويل أنيقة.

ثم ظهر إد ميرفيش وسأل ، "ما المشكلة؟"

فابتسم واعتذر وقال للنادل "اصطحبهم إلى الطاولة المحجوزة".

استمتعنا بالوجبة وعندما وصل الشيك ، تم تخفيضه بنسبة 50 في المائة. كان إد رجل أعمال ذكيًا جدًا بالإضافة إلى شخص كبير القلب. عائلتي لم تنس أبدًا كرمه.

على غرار كل الأوقات الجيدة ، اختفت مطاعم ميرفيش أخيرًا. ألغى إد رخصة تناول الطعام الخاصة به في ديسمبر 1999. عندما سأله الصحفيون عن الإغلاق ، سخر من أنه سئم من غسل الأطباق. لم تكن المدينة هي نفسها. كان هذا هو الحال أيضًا عندما أغلق متجر التخفيضات الخاص به ، "Honest Ed's" ، في كانون الأول (ديسمبر) 2016.

لإعادة صياغة جملة Ed Mirvish ، "Ed's Warehouse كان فريدًا من نوعه. غالبًا ما تم تقليده ، ولكن لم يتكرر أبدًا."


جانيت جاكسون # 8217s Super Bowl & # 8216 عطل خزانة الملابس & # 8217

نمت عروض نصف الوقت في Super Bowls أكثر وأكثر إثارة على مر السنين ، وتصدرت Super Bowl XXXVIII كل منهم. كما غنى جاستن تيمبرليك "Rock Your Body" على خشبة المسرح مع جانيت جاكسون ووصل إلى السطور القليلة الأخيرة من الأغنية - "لنفعل شيئًا ، فلنراهن ، لأنني يجب أن أجعلك عارية بنهاية هذه الأغنية" - لقد وصل عبر جسدها وخلعت جزءًا من تمثال نصفي لها ، وكشفت معظم ثديها الأيمن:

على الرغم من أن MTV ، التي أنتجت عرض نهاية الشوط الأول ، أكدت أن الحادث كان حادثًا - "تمزق زي جاكسون لم يتم إدراكه ، وغير مخطط له ، وغير مقصود تمامًا" ، كما قالوا - اقترح البعض أن يرتدي جاكسون درع الحلمة (والتصريحات المسبقة بأن سيحتوي العرض على بعض "اللحظات الصادمة") التي أثبتت أن الحيلة ربما لم تكن تلقائية تمامًا:

كما قاطعت احتفالات الاستراحة بين الشوطين من قبل مخطّط ، على عكس جانيت جاكسون ، لم تبث صورته التي لم يلبسها ملابس كاملة في غرف المعيشة من قبل شبكة سي بي إس.

في مصادفة مثيرة للفضول ، تم تداول صور يُزعم أنها تصور الثديين المكشوفين لمغنية Super Bowl في نهاية الشوط الأول للعام السابق ، Shania Twain ، قبل عدة أسابيع من المباراة الكبيرة:

من الواضح أن هذه الصور ملفقة من لقطات شاشة عرض Super Bowl في منتصف الشوط الأول لعام 2003 - نظرًا لسحق اهتمام وسائل الإعلام الناتج عن ثدي واحد مكشوف جزئيًا في Super Bowl 2004 ، كان من الممكن أن يكون ثديان مكشوفان بالكامل في عرض العام السابق أحدهما أهم القصص (أقل) للعام.


مكفارلاند ، الولايات المتحدة الأمريكية (2015)

لا ، بدأ المدرب الحقيقي جيم وايت في الواقع التدريب عبر الضاحية في مدرسة ماكفارلاند الثانوية في عام 1980. ومع ذلك ، كان مدرسًا في منطقة مدارس ماكفارلاند منذ عام 1964 ، بعد تخرجه من جامعة بيبيردين. في ذلك الوقت ، كان ماكفارلاند إلى حد كبير من البيض من الناحية الديموغرافية. تقاعد في عام 2003 بعد 23 عامًا من تدريب الأولاد عبر الضاحية. يرفع الفيلم وصوله ومنصبه التدريبي في ماكفارلاند إلى عام 1987 ، وهو العام الأول الذي حضر فيه فريقه عبر الضاحية وفاز ببطولة الولاية (كان عام 1987 أيضًا أول عام تقام فيه كاليفورنيا في بطولة الولاية).

هل تم بالفعل طرد جيم وايت من العديد من وظائف التدريس السابقة؟

هل أنشأ جيم وايت حقًا فريقًا عبر الضاحية في ماكفارلاند؟

ليس تماما. أعاد جيم وايت تشغيل البرنامج في عام 1980 بعد أن تم إسقاطه لمدة عام. ومع ذلك ، فقد أعاد بناء برامج الفتيان والفتيات عبر البلاد من الألف إلى الياء. - سجل المؤتمر ، ص 146 ، حزب العمال. 12

هل لدى جيم وايت حقًا ابنتان؟

لدى جيم وايت الحقيقي وزوجته شيريل وايت ثلاث بنات ، تامي وجولي وجامي. تم تصوير جولي وجامي في مكفارلاند ، الولايات المتحدة الأمريكية فيلم. تم تصويرهما على أنهما 15 و 10 سنوات ، أي أصغر ببضع سنوات مما كان عليه في الواقع في وقت الحصول على لقب الولاية الأول في عام 1987 (كانت الفتيات في الكلية في ذلك الوقت). تخرجت الفتيات الثلاث بشهادات في التعليم من جامعة لوبوك كريستيان في لوبوك ، تكساس تامي في عام 1985 ، وجولي في عام 1988 ، وجامي في عام 1991. -LCU.edu

هل أطلق الأطفال حقًا على جيم وايت لقب "بلانكو"؟

نعم فعلا. مستوحاة من سخرية اسمه الأخير ، "بلانكو" كان أحد الألقاب التي أطلقها الأطفال وعائلاتهم على جيم وايت. -LA تايمز

هل مدرسة مكفارلاند الثانوية تقع حقًا عبر الشارع من السجن؟

تقع مدرسة McFarland High School في الواقع على بُعد مسافة قصيرة من مرفق إصلاحيات سنترال فالي ، وليس عبر الشارع. على الرغم من أنها قريبة جدًا ، إلا أنه من المحتمل ألا يكون لدى Jim White رؤية واضحة لها من نافذة فصله ، حيث يفصل شارع من المنازل بين ملاعب المدرسة الرياضية وأرض السجن.

هل كان المدرب وايت حقا يتبع الأولاد على دراجة؟

نعم فعلا. أ 1997 لوس انجليس تايمز وصفتها المقالة بأنها دراجة متهالكة ومتهالكة ، لكنها لم تذكر أنها دراجة فتاة كما في الفيلم. ومع ذلك ، على غرار الفيلم ، لم يكن Jim White عداءًا بنفسه واستخدم الدراجة لمتابعة الفريق أثناء التدريبات.

هل حقاً منعت والدتهما الأخوين دياز من المنافسة؟

هل ساعدت Coach White الأطفال حقًا في العمل في الحقول؟

نعم فعلا. للتعويض عن الوقت الذي لم يتمكنوا فيه من العمل في الحقول بسبب الممارسة عبر البلاد ، كان Jim White يمنحهم أحيانًا وقته من خلال مساعدتهم في الاختيار في الحقول. يقول المدرب الحقيقي جيم وايت: "أحيانًا أساعدهم على العمل في الحقول ، ولكن الأهم من ذلك ، أنني كنت أتدرب في وقت مختلف. إذا لم يتمكن واحد أو اثنان من هؤلاء الصبية من التدرب في الساعة الرابعة صباحًا" لقد بدأوا للتو من العمل ، ثم قد أتدرب في الساعة 6 أو 7 صباحًا مع هؤلاء الأولاد. لذلك سيكون لدي تدريبتان. " -كيت 17

هل كان خصومهم يتكبرون حقًا على الأطفال الأثرياء الذين ينظرون إليهم بازدراء؟

على الأرجح لا. يقول المصور الصحفي المحلي جون هارت ، الذي تابع الفريق في ذلك الوقت ، إنه شاهد فرقًا متعارضة تقدم مصافحة حقيقية لحسن الحظ. وشمل ذلك أعضاء من الحفارات العالية بيكرسفيلد. على أقل تقدير ، يبدو أن صانعي الأفلام قد بالغوا في مثل هذه المشاهد.

هل اصطحب المدرب وايت الفريق حقًا إلى الشاطئ؟

نعم فعلا. ومع ذلك ، حدث ذلك بشكل مختلف قليلاً عن الفيلم. اصطحب المدرب الحقيقي جيم وايت كلا من الفتيان والفتيات عبر البلاد إلى شاطئ ساحل كاليفورنيا المركزي في كايوكوس خلال موسم 1985 (وليس موسم 1987). لقد كانت بالفعل المرة الأولى التي يرى فيها العديد من الأطفال المحيط. - جون هارت

هل قاموا حقًا بجمع التبرعات المجتمعية؟

نعم ، وفي بعض الأحيان دفعت الأسرة البيضاء ثمن أحذية وملابس جديدة للفريق من جيوبهم الخاصة. في إحدى المرات ، صنعت السيدة دياز 200 دزينة من تماليس لإرسال الفريق إلى آسيا. أخذ المدرب وايت الأوامر وسلمها. -كيت 17

هل قام المدرب وايت بإنقاذ توماس فاليس عندما كان يفكر في القفز من فوق جسر؟

نعم فعلا. كما في الفيلم ، ذهب توماس فاليس إلى جسر علوي فوق الطريق السريع 99 في إحدى الليالي بعد أن دخل والديه في معركة مروعة. يقول توماس: "كنت أقف هناك. لم أرغب في العودة إلى المنزل". "لا أستطيع أن أقول إنني كنت سأقفز ، لكنني كنت أفكر في حياتي ولماذا يقفز بعض الناس. فجأة رأيت هذه المصابيح الأمامية وكان السيد وايت في سيارته شيفروليه 59." دعا المدرب وايت توماس أكثر. صعد إلى الشاحنة وبدأ يتحدث مع Coach White حول الصعوبات التي يواجهها في المنزل. -LA تايمز

هل كان داني دياز يعاني من زيادة الوزن في طفولته؟

لا. لم يكن داني دياز يعاني من زيادة الوزن ، لكنه كان العداء السابع في الفريق. ساعد أداؤه في لقاء الولاية عام 1987 ماكفارلاند في الفوز باللقب. -23 ABC أخبار

كم عدد ألقاب الولاية التي فاز بها ماكفارلاند؟

ال مكفارلاند ، الولايات المتحدة الأمريكية تدعم القصة الحقيقية فوز مدرسة McFarland High School بتسع بطولات CIF California State في اختراق الضاحية (بما في ذلك خمسة على التوالي) وعقد سلسلة من حضور بطولة الولاية على مدار 24 عامًا على التوالي. انتهى هذا الخط أثناء إنتاج الفيلم ، بعد ترقية المدرسة الصغيرة إلى مرتبة القسم الأول ، نتيجة ثانوية لنجاحهم. لقد كانوا أبطال الدولة في أعوام 1987 و 1992 و 1993 و 1994 و 1995 و 1996 و 1999 و 2000 و 2001.

هل تم تمثيل جميع العدائين من فريق 1987 في الفيلم؟

لا. اختار المخرج نيكي كارو حذف لويس بارتيدا ، الذي تم استبداله في الفيلم بدياز دياز. يقول ديفيد دياز الحقيقي ، الذي تخرج بالفعل خلال العام الدراسي قبل فوزه بلقب الولاية الأول: "أراد نيكي كارو إظهار المزيد من أفراد العائلة في الفيلم ، لذا اختاروني". ديفيد ممثل في مكفارلاند ، الولايات المتحدة الأمريكية الفيلم مع اثنين من أشقائه ، داماسيو وداني.

هل ذهب الكثير من عدائي Coach White حقًا إلى الكلية؟

نعم فعلا. انتهى الأمر بالعشرات من المتسابقين مع المدرب جيم وايت بالذهاب إلى الكلية أو في القوات المسلحة. ذهب جميع أطفال دياز السبعة إلى الكلية وعاد السبعة جميعًا إلى ماكفارلاند حيث يعيشون اليوم. العديد من العدائين السابقين لـ White ينسبون إليه الفضل في إلهامهم لتحقيق أهداف شخصية ومهنية كانوا سيعتبرونها مستحيلة (People.com). البعض ، مثل ديفيد دياز ، أصبحوا معلمين بأنفسهم. ذهب توماس فاليس ليصبح حارس سجن (لوس انجليس تايمز).

هل تم تصوير الفيلم في مكفارلاند؟

نعم فعلا. تم التصوير الأساسي في McFarland ، كاليفورنيا في عام 2013. كان العديد من مواطني McFarland من الإضافات في الفيلم. -كيت 17

تعرف على المزيد حول مكفارلاند ، الولايات المتحدة الأمريكية القصة الحقيقية من خلال مشاهدة مقابلة جيم وايت أدناه. ألقِ نظرة فاحصة أيضًا على عائلة دياز ، التي كان لديها سبعة أطفال يركضون لصالح ماكفارلاند.

أجرى موقع PrepCalTrack.com مقابلة Jim White. يتحدث مدرب ماكفارلاند الأسطوري السابق في اختراق الضاحية عن ما كان عليه أن يصنع فيلمًا عن تجربته في تدريب الفريق. يقول أن هذا ليس صحيحًا بالكامل لكنه لا بأس بذلك.

أفراد عائلة دياز من ماكفارلاند يتأملون وقتهم كعدائين عبر الضاحية تحت قيادة المدرب جيم وايت في مدرسة ماكفارلاند الثانوية. يشمل المقطع الذي يحمل عنوان "عائلة أبطال ماكفارلاند" داني دياز وابنته ديليا دياز وغابرييل دياز وداماسيو دياز وديفيد دياز ودييجو دياز والأب والأم بول وخوانيتا دياز. يتحدثون عن إلهامهم للسعي وراء شيء يتجاوز الانتقاء في الحقول. ركض جميع أطفال دياز السبعة لجيم وايت وذهب السبعة جميعًا إلى الكلية.

المدرب جيم وايت (كيفن كوستنر) هو مدرس التربية البدنية الجديد في ماكفارلاند ، وهي بلدة تواجه تحديات اقتصادية في سنترال فالي الغني بالمزارع في كاليفورنيا. White sees the athletic potential at the predominantly Latino high school and decides to put together a cross country team. He offers the kids a chance to know what it feels like to be champions.


Naming the Zipper

The popular "zipper" name came from the B. F. Goodrich Company, which decided to use Sundback's fastener on a new type of rubber boots or galoshes. Boots and tobacco pouches with a zippered closure were the two chief uses of the zipper during its early years. It took 20 more years to convince the fashion industry to seriously promote the novel closure on garments.

In the 1930s, a sales campaign began for children's clothing featuring zippers. The campaign advocated zippers as a way to promote self-reliance in young children as the devices made it possible for them to dress in self-help clothing.


The Story Of Ravel's Boléro

Before he left for a triumphant tour of North America in January 1928, Maurice Ravel had agreed to write a Spanish-flavoured ballet score for his friend, the Russian dancer and actress Ida Rubinstein (1885-1960).

The idea was to create an orchestral transcription of Albeniz&rsquos piano suite Iberia. But on his return Ravel discovered that the orchestration rights had been granted to the Spanish conductor Enrique Arbós. Although Arbós generously gave up these rights, Ravel abandoned the idea and set about preparing an original score.

Ravel had long toyed with the idea of building a composition from a single theme which would grow simply through harmonic and instrumental ingenuity. Boléro&rsquos famous theme came to him on holiday in Saint-Jean-de-Luz.

He was about to go for a swim when he called a friend over to the piano and, playing the melody with one finger, asked: &ldquoDon&rsquot you think that has an insistent quality? I&rsquom going to try to repeat it a number of times without any development, gradually increasing the orchestra as best I can.&rdquo

He began work in July. By Ravel&rsquos standards the piece was completed quickly, in five months &ndash it had to be ready for Rubinstein to choreograph.

&ldquoOnce the idea of using only one theme was discovered,&rdquo he asserted, &ldquoany conservatory student could have done as well.&rdquo

The relentless snare-drum underpins the whole of the 15-minute work as Ravel inexorably builds on the simple tune until, with a daring modulation from C major to E major, he finally releases the pent-up tension with a burst of fireworks.

Boléro was given its first performance at the Paris Opéra on November 20, 1928. The premiere was acclaimed by a shouting, stamping, cheering audience in the midst of which a woman was heard screaming: &ldquoAu fou, au fou!&rdquo (&ldquoThe madman! The madman!&rdquo). When Ravel was told of this, he reportedly replied: &ldquoThat lady&hellip she understood.&rdquo

In an interview with The Daily Telegraph, he said: &ldquoI am particularly desirous there should be no misunderstanding about this work. It constitutes an experiment in a very special and limited direction and should not be suspected of aiming at achieving other or more than it actually does.&rdquo

Yet although Ravel considered Boléro one of his least important works, it has always been his most popular.


A Brief History of the Nickel

The nickel wasn't always worth five cents. In 1865, the U.S. nickel was a three-cent coin. Before that, “nickel cents” referred to alloy pennies.

المحتوى ذو الصلة

It turns out that even the name “nickel” is misleading. “Actually, nickels should be called 'coppers,'” says coin expert Q. David Bowers. Today's so-called nickels are 75 percent copper.

Those aren't the only surprises hidden in the history of the nickel. The story of America's five-cent coin is, strangely enough, a war story. And 150 years since it was first minted in 1866, the modest nickel serves as a window into the symbolic and practical importance of coinage itself.

To understand how the nickel got its name, you have to go back to an era when precious metals reigned supreme. In the 1850s, coins of any real value were made of gold and silver. In the event of a financial crisis—or worse, the collapse of a government—precious metal coins could always be melted down. They had intrinsic value.

But in the spring of 1861, southern states began to secede, and Abraham Lincoln was sworn in as President. Soon shells were falling on Fort Sumter in Charleston, South Carolina. America was in crisis, and so was its currency. “The outcome of the Civil War was uncertain,” says Bowers, an author of several books on coin history. Widespread anxiety led to an important side-effect of war. “People started hoarding hard money, especially silver and gold.”

Coins seemed to vanish overnight, and the U.S. Mint couldn't keep up with demand. “The United States literally did not have the resources in gold and silver to produce enough money to meet the needs of the country,” says Douglas Mudd, the director of the American Numismatic Association. “Even the cent was disappearing.” In the South, this problem was even worse. The limited supply of gold and silver was needed to purchase supplies from abroad, which meant the Confederacy relied almost exclusively on paper currency.

Minting new coins might not seem like a priority in a time of war. But without coinage, transactions of everyday life—buying bread, selling wares, sending mail—become almost impossible. One Philadelphia newspaper reported that the local economy had slowed to a crawl in 1863, citing that some storekeepers had to cut their prices “one to four cents on each transaction” or refuse to sell products outright because they were unable to get a hold of money.

Mudd puts the problem in more familiar terms. “It's like, all of a sudden, not being able to go to 7-Eleven because [the cashier] can't make change,” he says. “And if [they] can't make change, the economy stops.”

It was in this economic vacuum that the United States tried a series of monetary experiments. In 1861, the government began paying Union soldiers with “Demand Notes”—also known as “greenbacks.” Meanwhile, stamps were declared legal tender for small purchases a round metal case was developed to keep them intact. “It looked like a coin with a window on it,” says Mudd. 

Demand Notes, Series 1861, were issued by the United States in $5, $10, and $20 denominations. (National Museum of American History via Wikicommons) The term "Greenback" originated with these note, the earliest issue of the U.S. Government. (National Museum of American History via Wikicommons) The United States Demand Note was authorized by Congress on 17 July 1861 and issued on 10 August 1861. (National Museum of American History via Wikicommons)

For the duration of the war, the American economy puttered along with all kinds of competing currency. Even private banks and businesses were releasing their own notes and coins. Shopkeepers could give coins, stamps or bills as change. The war finally ended in 1865, but it took many months for precious metals to trickle back into circulation. “It's not until after the Civil War that coin production resumes at full capacity,” says Mudd.

As the United States turned its attention to rebuilding, not all metals were scarce. War production had expanded America's industrial capacity, and nickel was available in huge quantities. The advantage of nickel lay in what it wasn't. It wasn't scarce, which meant the government could print millions of coins without creating new shortages. And it wasn't a precious metal, so people wouldn't hoard it.

In fact, some cent coins had already been minted using nickel—and as one Pennsylvania newspaper pointed out, “the hoarding of them is unwise and injudicious.” There's no sense in hoarding a coin whose value comes from a government guarantee.

Only after a bizarre 1866 controversy about paper money, however, did nickel coins finally conquer everyday life. At the time, the National Currency Bureau (later called the Bureau of Engraving and Printing) was led by a man named Spencer Clark. He was tasked with finding a suitable portrait for the five-cent note. Clark's selection was a proud-looking man with dark eyes and a thick white beard. The public was not amused.

“He put his own image on there,” says Mudd. “There was a major scandal.”

Fractional Currency was introduced by the United States Federal Government following the Civil War, and were issued in 3, 5, 10, 15, 25, and 50 cent denominations. (National Museum of American History via Wikicommons)

“Clark put his own head on the currency without any authority whatever,” declared an angry letter to the نيويورك تايمز. Reporting by the مرات depicted Clark's bearded portrait as an assault on the dignity of American money. Another letter-writer chimed in: “It shows the form of impudence in a way seldom attempted before. It is not the first time, however, that men have made a strike for fame, and only achieved notoriety.”

While legislators were making speeches in Congress denouncing Clark's portrait, an industrialist named Joseph Wharton was busy prodding legislators to find an alternative to paper money. In the early years of the war, Wharton had bought up nickel mines in New Jersey and Pennsylvania, so his suggestion should come as no surprise. He wanted coins to be made out of nickel.

Two months later, five-cent notes were quietly retired. And as Philadelphia's Daily Evening Bulletin reported in May of 1866, a new coin was to immediately take its place. “The President [Andrew Johnson] has approved a bill to authorize the coinage of five cent pieces, composed of nickel and copper,” said the article. “There are to be no more issues of fractional notes of a less denomination than ten cents.”

The new coin was decorated with a shield, the words “In God We Trust,” and a large 𔄝,” surrounded by a star and ray design. That year, the government minted a whopping 15 million five-cent nickels—more than 100 times the number of silver half-dimes minted the year before.

As far as the future of the nickel was concerned, the timing was perfect. The postwar economy began to gather steam again. “The supply was there, and the demand was there,” says Mudd. “People wanted coins.”

The nickel caught on for a few reasons. First of all, after years of coin shortages, nickels flooded the economy. Nearly 30 million were printed in 1867 and 1868. “The nickel was ال coin from 1866 to 1876,” says Bowers. Even after that, as dimes and quarters rose in prominence, nickels were the coin of convenience. Bottles of Coca-Cola, which entered the marketplace in 1886, cost a nickel for 73 years.

The shield nickel was produced until 1883, when it was replaced due to manufacturing issues by the “Liberty Head” nickel. The decades that followed saw a succession of new designs, starting in 1913 with the Buffalo nickel and followed in 1938 by the initial Jefferson nickel. (Ironically, during World War II, nickel was so essential for war production that nickels were produced without any nickel.) The most recent update, in 2006, revised Jefferson's image from a profile to a frontal portrait.

In the 20 th century, one other shift cemented the nickel as an indispensable coin of the realm: the rise of coin-operated machines. Nickels were the ideal denomination for vending machines, jukeboxes, and slot machines. It also cost five cents to attend a “nickelodeon”—that is, a nickel theater. (Odeon comes from the Greek word for theater.) “Nickels went into the mainstream,” says Bowers.

Nickels have come full-circle since their roots in the gold and silver shortages of the Civil War. One hundred and fifty years ago, coins made of nickel seemed convenient because they were made of cheap metals. These days, nickel and copper prices are high, and our beloved 5-cent coin costs around 8 cents to produce. Maybe it's time to bring back the five-cent note.

About Daniel A. Gross

Daniel A. Gross is a freelance journalist and public radio producer based in Boston.


What's the Meaning Behind the Obey Clothing Line?

According to its website, the Obey clothing line is a challenge to youth to "take heed of the propagandists out to bend the world to their agendas." Created by Shepard Fairey, the word obey is used as a method of reverse psychology instead of following the status quo, or "obeying," this clothing line aims to challenge youth to do the exact opposite and think for themselves.

Shepard Fairey attended the Rhode Island School of Design and in 1989, created a sticker that would later spawn the production of this popular clothing line. Working with designers Mike Ternosky and Erin Wignall, Fairey has created a variety of clothing for men and women alike.

While attending art school, Fairey worker part-time at a skateboard shop in Providence, Rhode Island. There, the artist was exposed to graffiti art and the unique styles of the skateboarding community. Along with his interest in punk rock music, skateboarding influenced Fairey's future clothing business. The Obey clothing line remains a popular apparel choice for skateboarders, and Fairey's art appeared on the cover of Transworld Skateboarding magazine in 2011.

Fairey's art was put into the spotlight during the 2008 presidential campaign in the United States when he created a red and blue portrait of future president Barack Obama titled "HOPE."


شاهد الفيديو: History vs. Vladimir Lenin - Alex Gendler